Tobias Postによるポストデジタル措定モデル

私にとって芸術とは、常に姿勢であり、思考の流派でもあります。私を突き動かしているもの、芸術の背後にあるもの、そしてなぜそれがただ「眺める」だけでは見えてこないのかを理解していただけるよう、ここでは私が自分の作品を見つめ、言葉にする際の理論を概説します。

通常、芸術を見るまなざしは、単純化された一面的な見方というレンズによって決められています。たとえば職人の目には技能として、画商の目には売却価値として、スポーツ選手の目には競争として、政治家の目には意見として芸術が映る、といった具合です。独自の評価尺度をもつ職業は、すぐに数えきれないほど思い浮かびます。

多くの場合、評価はこのひとつの次元しかない線的な判断にとどまり、その行き着く先は芸術の序列化です。そして無意識のうちに、すぐに「この絵はきれいだと思う」「これは浅すぎる」「作品の密度が足りない」といった評価に落ち着いてしまいます。これは典型的な先入観として、すぐに分類できるものです。

私にとって「見る者の目の中にある」とは、価値や判断を定めることではなく、何よりもまず、視点と意味の枠組みを無意識のうちに措定することを意味します。

私の姿勢においては、こうした評価の仕方を素朴なものと位置づけています。もちろん、私自身も芸術を見るとき、そうした衝動を抱きます。私はそれを、より注意深く見るための挑戦だと考えています！自分自身の意味の枠組みをはっきりと意識するとき、芸術鑑賞の成熟度は高まります。

芸術は見る者の目の中にあります。だからこそ、見ることもまた措定のひとつの形なのです。それは、すべてが恣意的だからではなく、あらゆる読み方が参照点を選び、それによって意味を生み出すからです。

特にあらかじめ触れておきたいのは、具象性についての私の拡張された理解です。そしてもうひとつ、コンテクストを付け加えるある種の方法です。それは、抽象における単純化のように距離をとることで見通しを得るのではなく、豊かにする措定によって可視性の距離を定めるものです。

芸術固有の質

芸術家として私が大切にしているのは、好奇心を持ち続けること、そして、そう、ある種の誇大妄想をもって前へ進むことです。新しいまなざしで巨人の肩の上に立ち、そのうえで自分自身のものを措定するのです。

「芸術は措定である」は、私にとって中心的な核となる概念です。私はこれを40年近く前に美術の先生から学びました。当時、生徒だった私は、その射程の広さをまだ見通せていませんでした。

私にとって措定とは、意識と省察を意味します。目に見える決定を理解すること、つまりそれが「身振りによる措定」なのか、規則の結果なのか、あるいは「前提条件」の連鎖に組み込まれたものなのかを理解することです。

芸術において決定を下すことには、科学における研究や、検証可能な真理の探究とは異なる、固有の質があります。芸術は創造的であり、生み出す力をもっています。私にとって、これは普遍的で力強い認識です。

どの芸術家も、意識的であれ無意識的であれ、伝統、模倣、逸脱、そして新しいものの中を動いています。芸術家は、その芸術的立場において、しばしば信念や様式の流派によって形づくられています。人はゼロから始めるのではなく、常に何かの中に組み込まれているのです。

私の感覚では、芸術における新しいものは、しばしばきちんと位置づけることが難しく、そのために単純化された芸術鑑賞のなかで行き詰まってしまいます。私は、芸術的立場の独自性をよりわかりやすく説明できるようにしたいと考えています。そこで以下では、現在問題となっている議論の領域を簡単に紹介します。続いて、私自身のポストデジタル措定モデルを説明します。

背景と、明確な思考の流派の必要性

デジタルアートという課題

デジタルアートは、時間性とインタラクティビティによって、伝統的な造形芸術よりも様式的に流動的であることが少なくありません。同じく時間に基づくキネティック彫刻、ビデオ、メディアアートでさえ、多くの場合、様式的にはより安定して見えます。鑑賞者とのインタラクティビティをもつデジタルアートでは、様式、作用する力、コンテクストが絶えず変化しえます。語られている対象そのものが、一緒に動いていくのです。

ルーツ

とりわけ、現代のデジタルアートを伝統や目に見えるルーツのなかに歴史的に位置づけることは、参照の枠組みがより速く移り変わるため、私には不安定に感じられることが少なくありません。

アートを伝える現場では、しばしば「伝統的」対「デジタル」、「古い」対「若い」といった都合のよい分類の論理が生まれます。これらは実際の実践を記述したものというより、手早く伝えるためのラベルです。私の関心はその下にあります。媒体にかかわらず、どのような措定がなされているのか。内的な論理はどこにあり、断絶はどこにあり、決定はどこにあるのか。

キュレーションにおけるテーマの論理

キュレーションによる枠組みは、芸術にとって欠かせないものです。それは公共性、コンテクスト、そして読み解きやすさを生み出します。同時に、機関、助成の論理、コミュニケーションの形式は、明快な物語を求める圧力を生み出します。

私の批判はテーマそのものに向けられているのではなく、芸術的な措定がキュレーションの目的のための定型句の陰に隠れてしまう瞬間に向けられています。そのとき作品は、もはや作者性として見えるのではなく、ある物語の中の証拠として見えるようになります。

私が提案するのは、別のバランスです。テーマはあってよいのです。ただしそれは、事前に据えられた正当化としてではなく、作品の中に芸術的に措定された対象として見えるべきです。そうすることで芸術的な視点は認識可能であり続け、議論は深みを増します。

機械による大量生産とAI

生成AIをめぐる議論と不安は、新しく、そして非常に熱を帯びたものです。私にとって中心的な問いは「意識」よりも、作者性です。決定的な措定を行うのは誰か。責任を負うのは誰か。コンテクストと作用を引き受けるのは誰か。

AIは素材を提供し、バリエーションを加速し、パターンを提案することができます。しかし芸術的立場が生まれるのは、芸術家が選択を行い、限界を定め、意味に責任を負い、作品を姿勢として示すところです。芸術家はこの点について、自信をもって明確に自らの立場を示すべきです。

芸術を絞り込んでとらえるための一般的なフィールドモデル

私の思考の流派を理解していただくために、まず一般的なフィールドモデルを説明します。このモデルは、作品を位置づけるひとつの方法を示すものです。それによって、伝統、様式、コンテクスト、コンセプトとのつながりをより深く探り、作品をより議論しやすく、より体験しやすいものにします。さらに、作品同士や芸術家同士を関係づけるのにも役立ちます。

その目的は、様式に基づく単純な一語での説明から離れ、芸術的な生成の展開と変化をきちんと捉えることにあります。

さまざまな視点に立ち、作品に対する近さと遠さを見定めます。さらなる措定によって、フィールドの中に観察点を定めます。参照点となりうるのは、たとえば芸術様式、芸術の流派、原理、コンテクスト、特性、造形、内容、あるいは自由に選んだ芸術への視点などです。

参照点の選択は、作品の内的な論理に近づくために芸術家や鑑賞者が行う、意識的な措定です。

• 「芸術は措定である」（芸術家による）。
• 「観察点を定めることは措定である」（鑑賞による）。
• 「位置づけとは分析と議論である」（鑑賞による）。

立場は、参照点との近さと遠さによって記述されます。このモデルを使えば、あらゆるテーマ、あらゆる芸術にきわめて自由に向き合うことができます。もちろん芸術家もまた鑑賞者です。芸術家は作品を措定する前から、意識的に参照点を定め、それを指針にすることができます。しかし鑑賞者のまなざしは自由であり、それに縛られることはありません。

Tobias Postによるポストデジタル措定モデル

私の実践において最も重要な視点は、アンフォルメル、コンクリート・アート、そして具象性です。これら三つの視点は、私の作品をより身近に、より見えやすく、より説明しやすくするためのフィールド上の点となっています。

モメンタム

文化研究の議論において「ポストデジタル」とは、おおまかに言えば、デジタル性がもはや目新しいものではなく、私たちの生活と芸術の現実の自明な一部となった現在を指します。デジタル性は芸術の現在であり、自動的に革新を意味するわけではありません。

私は40年以上にわたり、芸術活動においてデジタルな手法も用いてきました。画家として思考するアーティストである私にとって、デジタルは時間とインタラクティビティをモーメンタムとして取り込むための中心的な要素です。これにより、必ずしも連続したシリーズ作品に頼ることなく、一つの作品の中に変化を措定することができます。

アンフォルメル

時代の子として、私はアンフォルメルから強い影響を受けています。私の絵画は、その一瞬ごとの唯一性において、ジェスチャーとして理解されるべきものです。一つひとつの筆致は動きであり、現在という瞬間に根ざしています。（禅の瞑想にも通じるところがあります。）

コンクリート・アート

コンクリート・アートは、ソフトウェア開発者としての職業経験からも、私にとって身近なものです。分析的・抽象的・秩序的・建築的な思考は、私にとって一種の生命線です。ドイツでは、この伝統はバウハウスなどを通じて深く根づいています。

一つの軸上にある二つの様式的な極

単純化して言えば、私にとってアンフォルメルとコンクリート・アートは、創造的な自発性と明確なコンセプトという二つの極です。あらゆる作品、そしてあらゆる芸術的実践はその間を行き来しており、これらの理想を純粋な形で実現するものはほとんどありません。私にとって、この二つの対極はあらゆる創作活動に普遍的に関わっています。

どちらの潮流についても、数多くの定義や解説が存在します。その歴史的な位置づけは複雑で、研究や議論によって形づくられており、そこには哲学的な思考がしばしば響き合っています。

具象性

「具象性」は日常的には、触れたり見たりすることができ、絵に描き写すことのできる事物への参照として理解されることがほとんどです。そして、知覚される絵と現実との隔たりが、しばしば抽象化や単純化の度合いとして読み取られます。こうして抽象は、具象性と非具象性のあいだを流動的に行き来します。

アンフォルメルとコンクリート・アートは、一見すると非具象であり、それゆえ「純粋」に見えます。しかし、いかなる参照点（「向かい合うもの」）も想定されないならば、「抽象」という概念はその鋭さを失います。抽象とは通常、何かが何かから抽象されることを前提としているからです。

鑑賞による措定としての参照点

メタな視点から見れば、作品に対して参照点を形成することは、鑑賞による措定です。ここで強調しておきたいのは、描かれたものに「向かい合う」対象を形成することは、鑑賞者の決定でありうるということです。それは、ある形の中に肖像や椅子、あるいは風景を見て取るのと似ています。

極端に言えば、ある人が青い面を見て「これは象だ」と決めることもできます。あるいは内的な参照を選び、青という色そのものが、色の概念として、それ自身の向かい合うものなのだと言うこともできます。

逆に、具象として読まれるどんな絵も、対象への参照なしに鑑賞し、非具象として重みづけることができます。では、造形そのものを純粋に鑑賞することは、どの時点ですでに鑑賞の「対象」となるのでしょうか。

ここからわかるのは、問題は必ずしも外的な現実の中にある対になるものではなく、主観的な体験の中で向かい合う何かだということです。したがって「具象性」は、一見したところよりも知的で哲学的なものであることが多く、写実的な描写という考えを超えています。

付け加えるコンテクスト

抽象は単純化によって成り立っています。抽象化の本質は、省くことです。規則やジェスチャーによる措定を「付け加える」ことで、私は対象をより広い視点の中に置くことができます。それによって具象性は、単独で存在するという特徴を失い、完全性を手放さなければなりません。対象は全体を新たなものと分かち合い、より包括的になります。対象は失い、全体はより大きくなるのです。これは古典的な抽象ではありませんが、正反対のアプローチによってコンテクストを明確にします。

それは省くことの対極にある、創造的な付加です。私にとって重要なのは、アンフォルメルやコンクリート・アートの要素を付け加えることで、具象性に対する明確な対極を意識的に用いることです。

背景：議論可能性

アートの議論可能性という話題に戻ると、コンセプトや原理、あるいは社会的に重要なテーマもまた、作品における「対象」と見なすことができます。それによって、それらは宙に浮いたままではなく、芸術的なコンテクストの中に居場所を得ます。そうすれば芸術的な立場を、内容をめぐる議論においても、抽象の度合いによって位置づけ、形式的な作業との関係の中に置くことができます。

実践的には、このアプローチから、アーティストや作品を比較可能にするための図表やフィールドモデルを作成することも導き出せます。つまりポストデジタル措定モデルは、さまざまな視点を通じて、より深く、より多層的に、より意識的に作品へと入り込むための、アートを鑑賞する柔軟なモデルなのです。それは、確かな参照関係をもって言葉を関係的に精緻化するための枠組みを提供します。

今後の展開

ここに述べたことは、全体としてまだ最初の入り口にすぎません。とりわけ、さまざまな様式のサブカテゴリーにおいて両極を掘り下げていくことは、非常に興味深いものです。ここで作品に間近に迫り、はっきりと目に見えるジェスチャーや規則を分析と結びつけることには、大きな意義があると感じています。

付記

強調しておきたいのは、これは評価や質の競い合い、あるいは解釈の主導権をめぐるものではないということです。ある視点を別の視点より上に置き、それによって序列を押しつけることが目的ではありません。

アートには、真理や知識、価値をはるかに超えた固有の質があります。自由と敬意、そして思いやりのある姿勢が可能な場所でこそ、意識は成長し、人間であることを豊かに高めることができます。