El modelo postdigital de la posición, según Tobias Post

Para mí, el arte es siempre también una actitud y una escuela de pensamiento. Para que se entienda qué me mueve, qué hay detrás del arte y por qué eso no se capta con una simple «mirada por encima», esbozo aquí la teoría con la que miro y describo mi trabajo.

De ordinario, la mirada está determinada por las gafas de una visión simplificada y única del arte. Así, el artesano ve en él un saber hacer; el comerciante, un valor de venta; el deportista, una competición; el político, una opinión, y así muchos más. Se me ocurren enseguida innumerables oficios, cada uno con sus propios criterios de juicio.

Muchas veces se queda uno en esa única valoración lineal, de una sola dimensión, que acaba por jerarquizar el arte. Inconscientemente se llega enseguida a veredictos como «este cuadro me parece bonito», «esto es demasiado plano» o «le falta densidad». Es fácil reconocer ahí, de inmediato, un prejuicio clásico.

Para mí, «en el ojo del espectador» no designa precisamente la determinación de un valor y de un juicio, sino ante todo una posición inconsciente del punto de vista y del marco de significado.

En mi actitud considero ingenua esa forma de valoración. Claro que yo también tengo esos impulsos cuando miro arte. En ello veo una invitación a mirar más de cerca. El grado de madurez de la mirada sobre el arte crece cuando se tiene claramente delante el propio marco de significado.

El arte está en el ojo del espectador, y precisamente por eso mirar es también una forma de posición: no porque todo sea arbitrario, sino porque toda lectura escoge puntos de referencia y produce así significado.

Quisiera señalar de entrada mi comprensión ampliada de la figuración. Y también una forma de contexto añadido, que no produce una visión de conjunto por la distancia, como la simplificación en la abstracción, sino que determina una distancia de visibilidad mediante una posición enriquecedora.

La cualidad propia del arte

Como artista me importa seguir siendo curioso y —sí— avanzar con cierta desmesura: sostenerme sobre hombros de gigantes con una mirada nueva, para poner después algo que sea mío.

«El arte es posición» es para mí un concepto central. Lo aprendí hace casi cuarenta años de mi profesor de arte. Entonces, siendo alumno, todavía no calibraba su alcance.

Posición significa para mí conciencia y reflexión. Comprender las decisiones visibles: ¿es una «posición gestual», el resultado de reglas, o está inscrita en la cadena de los «presupuestos»?

Tomar decisiones en el arte tiene una cualidad propia, distinta de la investigación científica y de la búsqueda de una verdad comprobable. El arte es creativo y creador; para mí es un hallazgo universal y poderoso.

Todo artista —consciente o inconscientemente— se mueve entre tradiciones, copias, desviaciones y novedad. Los artistas están, en su posición artística, a menudo marcados por certezas y por escuelas de estilo. Uno no empieza de cero; siempre está inscrito en algo.

Lo que percibo es que lo nuevo en el arte suele dejarse situar con dificultad, y por eso queda preso de una mirada simplificada. Me importa hacer más explicable la singularidad de una posición artística. Siguen, pues, breves introducciones a campos de discusión actuales y problemáticos. Después expongo mi propio modelo postdigital de la posición.

Trasfondo y necesidad de una escuela de pensamiento clara

El desafío del arte digital

El arte digital es —por su temporalidad y su interactividad— a menudo más fluido estilísticamente que las artes plásticas tradicionales. Incluso la escultura cinética, el vídeo y el arte mediático, que trabajan también en el tiempo, parecen en muchos casos estilísticamente más estables. En el arte digital, con la interactividad de su espectador, estilo, fuerzas y contexto pueden modificarse continuamente: el blanco del que se habla se mueve con uno.

Las raíces

Precisamente la ubicación histórica del arte digital contemporáneo, en tradiciones o raíces visibles, me parece a menudo menos estable, porque los marcos de referencia se desplazan más deprisa.

En el trabajo de mediación nace a menudo una lógica de clasificación cómoda: «tradicional» frente a «digital», «viejo» frente a «joven». Son menos descripciones de una práctica real que etiquetas para comunicar deprisa. Mi interés está debajo: ¿qué posiciones se toman, con independencia del medio? ¿Dónde está la lógica interna, dónde la ruptura, dónde la decisión?

La lógica curatorial del tema

El encuadre curatorial es imprescindible para el arte: crea publicidad, contexto y legibilidad. Al mismo tiempo, instituciones, lógicas de financiación y formatos de comunicación ejercen una presión hacia un relato unívoco.

Mi crítica no va contra los temas, sino contra el momento en que la posición artística desaparece tras una fórmula curatorial de ocasión. La obra deja entonces de ser visible como acto de autoría y pasa a ser una prueba dentro de un relato.

Propongo otro equilibrio: un tema, sí, pero visible como objeto puesto artísticamente en la obra, no como legitimación previa. Así la perspectiva artística sigue siendo reconocible y el discurso gana profundidad.

Producción mecánica en masa e IA

Nuevas —y muy cargadas— son las discusiones y los temores en torno a la IA generativa. Para mí la cuestión central es menos la «conciencia» que la autoría: quién toma las decisiones determinantes, quién asume la responsabilidad, quién responde del contexto y del efecto.

La IA puede aportar material, acelerar la variación, proponer patrones, pero una posición artística nace allí donde un artista selecciona, pone límites, responde del sentido y reivindica la obra como actitud. Los artistas deberían posicionarse aquí con seguridad y claridad.

Un modelo de campo general para acotar el arte

Para hacer inteligible mi escuela de pensamiento, explico primero un modelo de campo general. Este modelo describe una manera de situar las obras, a fin de explorar más a fondo su vínculo con la tradición, los estilos, los contextos y los conceptos, y hacerlas así más discutibles y más sensibles. Además ayuda a poner en relación obras y artistas.

El objetivo es salir de una descripción simple, de una sola palabra orientada al estilo, y dar cuenta de verdad del devenir artístico, de su desarrollo y de sus cambios.

Se adoptan distintos puntos de vista y se determina, para la obra, proximidad y distancia. Mediante otras posiciones se definen puntos de observación en un campo. Los puntos de referencia pueden ser estilos, escuelas, principios, contextos, propiedades, elecciones formales, contenidos, o perspectivas libremente escogidas sobre el arte.

La elección de los puntos de referencia es una posición consciente del artista o del espectador, para acercarse a las obras en su lógica interna.

• «El arte es posición» (la de los artistas).
• «Definir puntos de observación es posición» (la de la mirada).
• «Posicionarse es análisis y discusión» (la de la mirada).

La posición se describe por la proximidad y la distancia respecto de los puntos de referencia. Este modelo permite abordar con mucha libertad cualquier tema y cualquier arte. Los artistas son, claro está, también espectadores. Un artista puede fijar conscientemente puntos de referencia antes incluso de poner la obra y atenerse a ellos, pero la mirada del espectador no está atada, en su libertad, a esos puntos.

El modelo postdigital de la posición, según Tobias Post

Salidos de mi práctica, mis puntos de vista más importantes son lo informal, el arte concreto y la figuración. Estas tres perspectivas forman mis puntos de campo, para hacer mis obras más accesibles, más visibles y más explicables.

Momentum

«Postdigital» designa, en los debates de las ciencias de la cultura, una época en la que lo digital ya no es una novedad, sino una parte evidente de nuestra realidad vital y artística. Lo digital es presente artístico, no automáticamente innovación.

Trabajo artísticamente desde hace más de cuatro décadas, también con procedimientos digitales. Para el artista de mirada de pintor que soy, lo digital es un ladrillo central, que permite integrar el tiempo y la interactividad como impulso. Puedo así poner el cambio en una obra única, sin depender necesariamente de series.

Informal

Hijo de mi tiempo, estoy muy marcado por lo informal. Mi pintura ha de entenderse como gesto, en su singularidad puntual. Cada trazo es movimiento, anclado en el instante presente. (La meditación zen no anda lejos.)

Arte concreto

El arte concreto me resulta cercano también por mi experiencia profesional como desarrollador de software. El pensamiento analítico, abstrayente, ordenador y arquitectónico es para mí una especie de arteria vital. En Alemania, esa tradición está fuertemente anclada, entre otros, por la Bauhaus.

Dos polos estilísticos de un mismo eje

Simplificando, lo informal y el arte concreto son para mí dos polos, entre la espontaneidad creativa y el concepto claro. Toda obra —y toda práctica artística— se mueve entre ambos; casi nada alcanza esos ideales en estado puro. Estos dos polos opuestos participan para mí universalmente de todo trabajo creativo.

Para ambas direcciones existen numerosas definiciones y explicaciones. Su ubicación histórica es compleja, marcada tanto por la investigación como por los debates; el pensamiento filosófico resuena a menudo en ella.

Figuración

La «figuración» se entiende casi siempre, en el día a día, como una referencia a cosas que se pueden tocar o ver y que pueden representarse en el cuadro. La distancia percibida entre el cuadro y la realidad se lee entonces a menudo como un grado de abstracción o de simplificación. La abstracción se mueve así de forma continua entre figuración y no figuración.

Lo informal y el arte concreto parecen a primera vista no figurativos y, por tanto, «puros». Pero si no se piensa ningún punto de referencia (ningún «frente a»), la noción de «abstracción» pierde nitidez, porque abstraer supone normalmente que se abstrae algo de algo.

El punto de referencia como posición de la mirada

Desde una metaperspectiva, formar un punto de referencia respecto de la obra es una posición de la mirada. Me importa subrayarlo: la formación de un objeto «enfrentado» a la representación puede ser una decisión del espectador, igual que se reconoce en una forma un retrato, una silla o un paisaje.

Llevado al extremo: alguien ve una superficie azul y decide «esto es un elefante». O bien se elige una referencia interna y se dice: el color azul es él mismo su propio frente a, como concepto de color.

A la inversa, también se puede mirar cualquier imagen leída como figurativa sin referencia al objeto y ponderarla de forma no figurativa. ¿A partir de cuándo la mera contemplación del diseño es ya un «objeto» de la mirada?

Se ve así que no se trata necesariamente de un contrario en la realidad exterior, sino de algo que se enfrenta en la experiencia subjetiva. La «figuración» es, pues, a menudo más intelectual y más filosófica de lo que parece a primera vista, y va más allá de la idea de la representación realista.

El contexto añadido

La abstracción vive de la simplificación. La esencia del abstraer es la omisión. Mediante el «añadido» de reglas o de una posición gestual puedo situar el objeto en un punto de vista ampliado. La figuración pierde entonces el carácter de la soledad y debe ceder su completitud. El objeto comparte el conjunto con algo nuevo y se vuelve más amplio; el objeto pierde, el conjunto crece. No es, pues, una abstracción clásica, pero aclara el contexto por un procedimiento inverso.

Es lo contrario de la omisión: un añadido creativo. Me importa, mediante un añadido de elementos de lo informal o del arte concreto, emplear conscientemente un contrapeso claro a la figuración.

Trasfondo: la discutibilidad

Para volver a la discutibilidad del arte: un concepto, un principio o un tema de relevancia social pueden verse también como «objeto» en la obra. Reciben así un lugar en el contexto artístico, en lugar de flotar libremente. La posición artística puede entonces situarse —también en el debate sobre el contenido— mediante grados de abstracción, y ponerse en relación con el trabajo formal.

De forma pragmática, este planteamiento permite además elaborar diagramas y modelos de campo para hacer comparables artistas y obras. El modelo postdigital de la posición es así un modelo flexible para mirar el arte, para entrar más a fondo, con más capas y más conscientemente en una obra desde distintos puntos de vista. Ofrece un marco para precisar el lenguaje de forma relacional, con referencias fijas.

Continuación

Todo esto es, en general, solo una primera entrada en materia. Elaborar los polos en subcategorías de estilo es especialmente apasionante. Me parece muy fructífero acercarse mucho a la obra y unir al análisis gestos y reglas claramente visibles.

Observación

Me importa subrayar que aquí no se trata de valoración, de competición de calidad ni de autoridad interpretativa. No se trata de poner un punto de vista por encima de otro e imponer así jerarquías.

El arte posee una cualidad propia que va mucho más allá de la verdad, del saber y del valor. La conciencia puede crecer ahí y dar alas a lo humano, allí donde la libertad, el respeto y una actitud compasiva son posibles.