Le modèle postdigital de la position, selon Tobias Post

L'art est toujours pour moi une posture et une école de pensée. Pour rendre intelligible ce qui me meut, ce qui se tient derrière l'art et pourquoi cela ne se laisse pas saisir par un simple « coup d'œil », j'esquisse ici la théorie avec laquelle je regarde et décris mon travail.

D'ordinaire, le regard est déterminé par les lunettes d'une vision simplifiée et unique de l'art. Ainsi l'artisan y voit un savoir-faire, le marchand une valeur marchande, le sportif une compétition, le politique une opinion, et bien d'autres encore. Il me vient aussitôt à l'esprit d'innombrables métiers, chacun avec ses propres critères de jugement.

Bien souvent, on en reste à cette unique évaluation linéaire, à une seule dimension, qui aboutit à une hiérarchisation de l'art. Inconsciemment, on tombe vite sur des verdicts comme « ce tableau, je le trouve beau », « c'est trop plat » ou « il me manque de la densité ». Il est facile d'y reconnaître aussitôt un préjugé classique.

Pour moi, « dans l'œil du spectateur » ne désigne justement pas la détermination d'une valeur et d'un jugement, mais avant tout une position inconsciente du point de vue et du cadre de signification.

Dans ma posture, je tiens cette forme de jugement pour naïve. Bien sûr, j'ai moi aussi de tels élans lorsque je regarde de l'art. J'y vois une invitation à regarder de plus près ! Le degré de maturité du regard sur l'art grandit lorsqu'on a clairement devant les yeux son propre cadre de signification.

L'art est dans l'œil du spectateur — et c'est précisément pour cela que regarder est aussi une forme de position : non parce que tout serait arbitraire, mais parce que toute lecture choisit des points de référence et produit ainsi du sens.

Je voudrais signaler d'emblée ma compréhension élargie de la figuration. Ainsi qu'une forme de contexte ajouté, qui ne produit pas une vue d'ensemble par la distance, comme la simplification dans l'abstraction, mais détermine une distance de visibilité par une position enrichissante.

La qualité propre de l'art

Comme artiste, il me tient à cœur de rester curieux et — oui — d'avancer avec une certaine folie des grandeurs : me tenir sur les épaules de géants avec un regard neuf, pour poser ensuite quelque chose qui soit à moi.

« L'art est position » est pour moi un concept central. Je l'ai appris il y a presque quarante ans de mon professeur d'arts plastiques. À l'époque, élève, je n'en mesurais pas encore la portée.

Position veut dire pour moi conscience et réflexion. Comprendre les décisions visibles : est-ce une « position gestuelle », le résultat de règles, ou est-ce inscrit dans la chaîne des « présupposés » ?

Prendre des décisions en art a une qualité propre — à la différence de la recherche scientifique et de la quête d'une vérité vérifiable. L'art est créatif et créateur ; c'est pour moi une découverte universelle et puissante.

Tout artiste — consciemment ou non — se meut dans des traditions, des copies, des écarts et du nouveau. Les artistes sont, dans leur position artistique, souvent marqués par des certitudes et des écoles de style. On ne commence pas de zéro ; on est toujours inscrit quelque part.

Ce que je constate, c'est que le nouveau, en art, se laisse souvent mal situer proprement — et reste de ce fait prisonnier d'un regard simplifié. Il me tient à cœur de rendre mieux explicable la singularité d'une position artistique. Suivent donc de brèves introductions à des champs de discussion actuels et problématiques. J'expose ensuite mon propre modèle postdigital de la position.

Arrière-plan et nécessité d'une école de pensée claire

Le défi de l'art numérique

L'art numérique est — du fait de sa temporalité et de son interactivité — souvent plus mouvant stylistiquement que les arts plastiques traditionnels. Même la sculpture cinétique, la vidéo, l'art médiatique, qui travaillent eux aussi dans le temps, paraissent dans bien des cas stylistiquement plus stables. Dans l'art numérique, avec l'interactivité de son spectateur, style, forces et contexte peuvent se modifier continûment : la cible dont on parle se déplace avec.

Les racines

C'est précisément la mise en perspective historique de l'art numérique contemporain, dans des traditions ou des racines visibles, qui me paraît souvent moins stable, parce que les cadres de référence se déplacent plus vite.

Dans le travail de médiation naît souvent une logique de tri commode : « traditionnel » contre « numérique », « ancien » contre « jeune ». Ce sont moins des descriptions d'une pratique réelle que des étiquettes pour communiquer vite. Mon intérêt se situe en dessous : quelles positions sont prises — indépendamment du médium ? Où est la logique interne, où la rupture, où la décision ?

La logique curatoriale du thème

Le cadrage curatorial est indispensable à l'art : il crée de la publicité, du contexte et de la lisibilité. En même temps, institutions, logiques de financement et formats de communication exercent une pression vers un récit univoque.

Ma critique ne vise pas les thèmes, mais le moment où la position artistique disparaît derrière une formule curatoriale de circonstance. L'œuvre n'est alors plus visible comme acte d'auteur, mais comme pièce à conviction dans un récit.

Je propose un autre équilibre : un thème, oui — mais visible comme objet posé artistiquement dans l'œuvre, non comme légitimation préalable. La perspective artistique reste ainsi reconnaissable, et le discours y gagne en profondeur.

Production de masse mécanique et IA

Nouvelles — et très chargées — sont les discussions et les craintes autour de l'IA générative. Pour moi, la question centrale est moins celle de la « conscience » que celle de la paternité de l'œuvre : qui prend les décisions déterminantes, qui en porte la responsabilité, qui répond du contexte et de l'effet ?

L'IA peut fournir du matériau, accélérer la variation, proposer des motifs — mais une position artistique naît là où un artiste choisit, pose des limites, répond du sens et revendique l'œuvre comme posture. Les artistes devraient se positionner ici avec assurance et clarté.

Un modèle de champ général pour cerner l'art

Pour rendre mon école de pensée intelligible, j'explique d'abord un modèle de champ général. Ce modèle décrit une manière de situer les œuvres, afin d'explorer plus profondément leur lien à la tradition, aux styles, aux contextes et aux concepts — et de les rendre ainsi plus discutables et plus sensibles. Il aide en outre à mettre œuvres et artistes en relation.

L'objectif est de sortir d'une description simple, d'un seul mot orienté style, et de rendre vraiment compte du devenir artistique, de son développement et de ses changements.

On adopte différents points de vue et l'on détermine, pour l'œuvre, proximité et distance. Par d'autres positions, on définit des points d'observation dans un champ. Les points de référence peuvent être des styles, des écoles, des principes, des contextes, des propriétés, des choix de forme, des contenus — ou des perspectives librement choisies sur l'art.

Le choix des points de référence est une position consciente de l'artiste ou du spectateur, pour approcher les œuvres dans leur logique interne.

• « L'art est position » (celle des artistes).
• « Définir des points d'observation est position » (celle du regard).
• « Se positionner est analyse et discussion » (celle du regard).

La position est décrite par la proximité et la distance aux points de référence. Ce modèle permet d'aborder très librement n'importe quel thème et n'importe quel art. Les artistes sont bien sûr aussi des spectateurs. Un artiste peut poser consciemment des points de référence avant même de poser l'œuvre et s'y tenir — mais le regard du spectateur n'est pas lié, dans sa liberté, à ces points.

Le modèle postdigital de la position, selon Tobias Post

Issus de ma pratique, mes points de vue les plus importants sont l'informel, l'art concret et la figuration. Ces trois perspectives forment mes points de champ, pour rendre mes œuvres plus accessibles, plus visibles et plus explicables.

Momentum

« Postdigital » désigne, dans les débats de sciences de la culture, une époque où le numérique n'est plus une nouveauté mais une part évidente de notre réalité vitale et artistique. Le numérique est présent artistique — pas automatiquement innovation.

Je travaille artistiquement depuis plus de quatre décennies, avec des procédés numériques aussi. Pour l'artiste au regard de peintre que je suis, le numérique est une brique centrale, qui permet d'intégrer le temps et l'interactivité comme élan. Je peux ainsi poser le changement dans une œuvre unique, sans dépendre nécessairement de séries.

Informel

Enfant de mon temps, je suis fortement marqué par l'informel. Ma peinture est à entendre comme geste — dans sa singularité ponctuelle. Chaque trait est mouvement, ancré dans l'instant présent. (La méditation zen n'est pas loin.)

Art concret

L'art concret m'est également proche du fait de mon expérience professionnelle de développeur logiciel. La pensée analytique, abstrayante, ordonnatrice et architecturale est pour moi une sorte d'artère vitale. En Allemagne, cette tradition est fortement ancrée, notamment par le Bauhaus.

Deux pôles stylistiques d'un même axe

En simplifiant, l'informel et l'art concret sont pour moi deux pôles, entre spontanéité créative et concept clair. Toute œuvre — et toute pratique artistique — se meut entre les deux ; presque rien n'atteint ces idéaux à l'état pur. Ces deux pôles opposés participent pour moi universellement de tout travail créatif.

Pour ces deux directions, il existe de nombreuses définitions et explications. Leur mise en perspective historique est complexe, marquée par la recherche autant que par les débats ; la pensée philosophique y résonne souvent.

Figuration

La « figuration » est le plus souvent comprise, au quotidien, comme un rapport à des choses que l'on peut toucher ou voir et que l'on peut représenter dans le tableau. La distance perçue entre le tableau et la réalité est alors souvent lue comme un degré d'abstraction ou de simplification. L'abstraction se meut ainsi continûment entre figuration et non-figuration.

L'informel et l'art concret paraissent au premier regard non figuratifs, et donc « purs ». Mais si l'on ne pense aucun point de référence (aucun « vis-à-vis »), la notion d'« abstraction » perd de sa netteté — car abstraire suppose normalement que l'on abstrait quelque chose de quelque chose.

Le point de référence comme position du regard

D'un point de vue méta, former un point de référence à l'œuvre est une position du regard. Il m'importe de le souligner : la formation d'un objet « en vis-à-vis » de la représentation peut être une décision du spectateur — comme on reconnaît dans une forme un portrait, une chaise ou un paysage.

Poussé à l'extrême : quelqu'un voit une surface bleue et décide, « c'est un éléphant ». Ou bien l'on choisit un rapport interne et l'on dit : la couleur bleue est elle-même son propre vis-à-vis — comme concept de la couleur.

Inversement, on peut aussi regarder toute image lue comme figurative sans rapport à l'objet et la pondérer de façon non figurative. À partir de quand la seule contemplation de la mise en forme est-elle déjà un « objet » du regard ?

On le voit : il ne s'agit pas nécessairement d'un vis-à-vis dans la réalité extérieure, mais de quelque chose qui fait face dans l'expérience subjective. La « figuration » est donc souvent plus intellectuelle et plus philosophique qu'il n'y paraît — et elle dépasse l'idée de la représentation réaliste.

Le contexte ajouté

L'abstraction vit de la simplification. L'essence de l'abstraire est l'omission. Par l'« ajout » de règles ou d'une position gestuelle, je peux placer l'objet dans un point de vue élargi. La figuration perd alors le caractère de la solitude et doit céder sa complétude. L'objet partage l'ensemble avec du nouveau et devient plus vaste ; l'objet perd, l'ensemble grandit. Ce n'est donc pas une abstraction classique, mais cela éclaire le contexte par une démarche inverse.

C'est le contraire de l'omission : un ajout créatif. Il m'importe, par un ajout d'éléments de l'informel ou de l'art concret, d'employer consciemment un contrepoids clair à la figuration.

Arrière-plan : la discutabilité

Pour revenir à la discutabilité de l'art : un concept, un principe ou un thème de société peut lui aussi être vu comme un « objet » dans l'œuvre. Il y reçoit ainsi une place dans le contexte artistique, au lieu de flotter librement. La position artistique peut alors être située — dans le débat sur le contenu aussi — par des degrés d'abstraction, et mise en relation avec le travail formel.

De façon pragmatique, cette démarche permet aussi d'établir des diagrammes et des modèles de champ, pour rendre artistes et œuvres comparables. Le modèle postdigital de la position est ainsi un modèle souple pour regarder l'art, afin d'entrer plus profondément, plus richement et plus consciemment dans une œuvre par différents points de vue. Il offre un cadre pour préciser la langue de façon relationnelle — avec des références fixes.

Suite

Tout cela n'est en général qu'une première entrée en matière. L'élaboration des pôles en sous-catégories stylistiques est particulièrement passionnante. Je trouve très fructueux de s'approcher de tout près de l'œuvre et de joindre à l'analyse des gestes et des règles clairement visibles.

Remarque

Il m'importe de souligner qu'il ne s'agit pas ici de jugement, de concours de qualité ou d'autorité interprétative. Il ne s'agit pas de placer un point de vue au-dessus d'un autre et d'imposer ainsi des hiérarchies.

L'art possède une qualité propre, qui va bien au-delà de la vérité, du savoir et de la valeur. La conscience peut y grandir et donner des ailes à l'humain, là où la liberté, le respect et une attitude compatissante sont possibles.